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Interview

Radiant, interview Tony Valente

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RADIANT – Le shônen franco-nippon à l’état pur !

RADIANT est souvent regardé comme « le plus japonais des shônen français ». Il faut avouer qu’au feuilletage, il y a comme une odeur de ramen à la viande de Dragnir ! Apparences quasi-trompeuses : RADIANT, c’est du 100% Tony Valente, un auteur punchy qui aime autant dessiner du shônen pur jus qu’en détourner les codes. On l’a rencontré, pour une interview qui ne mâche pas ses mots.

QUE VOULAIS-TU INCLURE DANS RADIANT ?

Tout ce qui m’intéresse ! J’ai le problème d’avoir trop d’idées, j’ai donc cherché un projet qui me permette de raconter tout ce que je voulais. Si une idée me plaît et trouve sa place dans RADIANT, je l’intègre. Au départ RADIANT vient d’une idée développée dans HANA ATTORI (BD qu’il a publiée chez Soleil en 2008-2010 – Ndr). J’avais créé un village avec des handicapés, des étrangers et toutes sortes de parias en lutte contre le pouvoir. Ça m’avait vraiment intéressé, au final plus que mon histoire principale ! J’ai dû mettre HANA ATTORI de côté, et cette idée a donné RADIANT, dans lequel j’ai mis tout ce que j’aimais : de la baston, des pouvoirs magiques, etc. Puis je me suis intéressé à la sorcellerie et à l’inquisition, qui se sont vite imposés car c’était complètement raccord avec les thèmes que je voulais aborder.

POURQUOI AS-TU FAIT DE LA MAGIE UNE FATALITÉ ET NON PAS UN DON, ALORS QUE DEPUIS HARRY POTTER C’EST TROP COOL D’ÊTRE MAGICIEN ?

Je voulais orienter le propos sur le rapport de chacun aux apparences, à la norme et à l’exclusion. Je voulais mettre en scène les réactions des gars sur qui ça tombe : qu’en font-ils, en bien comme en mal ? Si l’histoire avait tourné autour d’un monde où n’importe qui peut se battre à l’aide de pouvoirs, elle aurait dû s’orienter vers la volonté de chacun de dépasser ses propres limites. Ça m’intéresse moins. C’était aussi une manière de prendre de la distance avec ce qui existait déjà, dans ces shônen où tous les personnages puisent dans une énergie intérieure. Du coup, le processus qui amène à devenir magicien est un peu compliqué et sera mieux développé une fois passé le premier tome…

L’UNIVERS EST ASSEZ NOIR ET FATALISTE, AVEC DES CRÉATURES CÉLESTES QUI SORTENT DE NULLE PART ET DÉTRUISENT TOUT, TANDIS QUE SEULS CEUX QUI ONT SURVÉCU À LEUR CONTACT PEUVENT TENTER DE LES CONTRER, TOUT EN RISQUANT DE SE FAIRE MASSACRER PAR LA POPULATION…

Un jour j’ai entendu un scientifique théoriser sur le fait que l’homme était un virus rongeant la Terre et que le cosmos nous envoyait des anticorps : les météorites, dont le nombre à passer proche de notre planète augmente exponentiellement sans que l’on puisse l’expliquer. Ce point de vue m’a intéressé, tout comme l’augmentation du nombre de catastrophes naturelles, qui crée une anxiété chez les gens ; on vit un peu tous avec ça… Cela faisait un bon point de départ pour un univers qui ne soit pas tout rose, où le peuple aurait besoin de boucs émissaires, des gens louches que l’on peut pointer du doigt, priver de liberté et fliquer. Sur le fond, c’est donc assez noir, mais Seth, mon héros, est plein de vie, il veut dépasser son apparente monstruosité. Et sa condition de bourrin aussi, car au début il ne fait pas mieux que les monstres…

AUTRE ENTORSE AUX STÉRÉOTYPES : LA GUILDE EST UNE VASTE FUMISTERIE AU LIEU D’ÊTRE UN SUPER-QG DE SORCIERS. POURQUOI ?

La guilde fonctionne comme une entreprise d’exploitation de tous les sorciers car même si le prix à payer est pour eux exorbitant, ils n’ont nulle part ailleurs où aller. C’est aussi une bonne métaphore du monde de l’édition tel que je le connais suite à une mauvaise expérience chez Soleil. On te dit : « Viens, c’est fabuleux, fais ta BD chez nous, c’est ta passion et en plus on va te payer pour le faire. Et puis tu vas te ruiner la santé pour ma cause. » Tu sais, le chat jaune était un éditeur au début !

ARRÊTONS-NOUS SUR SETH : INCARNE-T-IL TA VISION DU SHÔNEN, COMME NATSU POUR MASHIMA OU LUFFY POUR ODA ?

Seth est celui qui va à l’encontre des idées reçues, il a à cœur de ne pas être traité comme un monstre et de prouver que les « infectés » ne sont pas responsables. J’ai l’impression d’y mettre mon expérience ; mon but c’est de trouver ma place dans le marché du manga, vaste et encombré, avec un shônen qui m’éclate autant que mes lectures ! On ne sait pas trop à quoi tient le succès d’un manga, moi j’essaye de chasser les préjugés au sujet des auteurs de manga français : on est peut-être capable de faire aussi bien, voire différemment que les Japonais. Seth s’attaque à un truc trop mastoc pour lui, avec beaucoup de conviction, il veut le faire bien et aller au bout : c’est aussi ma conviction au sujet de RADIANT ! Avec une folie et des aspirations communes, c’est plus facile d’en faire un personnage vraiment consistant et humain !

LES PERSONNAGES SONT EN TOUS CAS TRÈS NOMBREUX DÈS LE PREMIER TOME. ON SAIT QUE TU LES AIMES TOUS, MAIS COMMENT LES AS-TU TRAVAILLÉS ?

Je commence par les dessiner et trouver leurs caractéristiques physiques, non pas les accessoires mais leurs expressions, car c’est à partir de ça que je vais construire leur personnalité, leur manière de parler, etc. Par exemple, pour Torque le Fauve je suis parti du regard, ambigu, dense et très chargé en émotion, puis j’ai construit son histoire : comment est-il passé à la tête d’un groupe d’inquisiteurs ? Pourquoi apparaît-il si virulent quand il boit du thé ?

TU DISAIS PAS MAL T’INSPIRER DU TRAVAIL D’ASTIER SUR KAAMELOTT…

J’aime qu’un personnage soit léger pour véhiculer des idées. L’humour, c’est vivant, ça permet des dialogues et des relations riches entre les protagonistes. Comme chez Astier, ils m’échappent et vivent leur vie ; Alma a vite pris une plus grande importance que prévu, par exemple. J’ai aussi fait attention à ne pas retomber dans les grandes lignes de FAIRY TAIL, ce qui a été le cas au début, j’ai donc relu les aventures de Natsu et modifié ensuite le projet RADIANT qui du coup est devenu son contre-point par moments : les aventures sont subies plus que recherchées, la magie est dure à générer et quasi incontrôlable, l’humour est souvent ironique, voire cassant…

AS-TU UNE VISIBILITÉ SUR LA FIN DE LA SÉRIE ?

Trois tomes sont prévus à ce jour, si je tiens la route et si le public suit !

Propos recueillis par Antonin Lacomme

Interview publié dans Coyote Mag n°49 (mai-juin 2014)

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Interview

Interview de Keiko Nagita, scénariste de CANDY

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@Marie Carbonnier

Avec son regard pétillant et ses cheveux d’or, la jolie orpheline Candy a marqué toute une génération grâce à son adaptation animée diffusée lors de l’émission Récré A2 à la fin des années 70. Keiko Nagita, la scénariste du manga original CANDY CANDY a retrouvé son héroïne quarante ans plus tard pour écrire deux romans publiés aux éditions Pika. Lors de son passage à Livre Paris, en mars dernier, notre journaliste Marie Carbonnier a pu la rencontrer.

Parlez-nous de ces deux romans qui sortent en France. Contrairement à ce que l’on peut penser c’est du Young Adult !

Oui, il y a quarante j’ai écrit un premier roman sur Candy destiné aux enfants. En me basant sur les 2 000 pages du scénario du manga CANDY CANDY, j’en suis arrivée à 500 pages de manuscrit. Mais j’aurais pu en faire dix tomes ! Quand l’opportunité de rééditer mon roman s’est présentée, j’ai eu envie de le réécrire pour un lectorat plus adulte. J’estimais que mes personnages avaient grandis en même temps que moi.

Peut-on s’attendre à des différences entre le manga, l’animé et les romans ?

Bien sûr, j’ai pris de l’âge. Il m’est arrivé toutes sortes de choses qui n’ont pas toujours été faciles, comme pour mes personnages. Le temps et l’expérience nous ont fait évoluer. Le premier tome reprend l’histoire de Candy telle qu’on la connait mais d’un point de vue plus mature. Le second volume est un roman épistolaire et va raconter l’avenir des personnages. En fait, j’ai mis dans ces romans tout ce que je n’ai pas pu écrire pour le manga !

Comment est venue votre vocation pour l’écriture ?

J’ai perdu mon père quand j’avais dix ans, ça m’a beaucoup marquée. J’ai soudain pris conscience que la mort est imprévisible. Ce drame m’a poussée vers les livres et m’a fait réfléchir. Je me suis alors dit que le meilleur moyen de donner forme à mes pensées était la poésie. Et comme ça ne m’a pas suffi j’ai écrit un premier roman… mais aujourd’hui j’aurais bien trop honte si on le lisait !

Abordez-vous l’écriture différemment s’il s’agit d’un roman ou d’un scénario ?

Oui, complètement ! On est plus libre d’exprimer la psychologie des personnages dans un roman. Quand j’écrivais des scénarios je veillais toujours à ce que cela soit facile à retranscrire pour Yumiko Igarashi (dessinatrice de CANDY CANDY) que ça donne une belle image et qu’il puisse y avoir du mouvement. Le plus dur pour moi c’était quand l’éditeur modifiait certaines scènes. Avec le temps j’avais plus de mal à l’accepter. Un jour, je me suis dit que c’était devenu impossible pour moi d’écrire des scénarios.

Est-il vrai que vous avez écrit le dernier épisode de CANDY CANDY en France ?

Oui ! Au Domaine de Beauvois, un château hôtel à Luynes. Il n’y avait personne car on était hors-saison. J’avais envie d’être isolée, de me retrouver seule avec mes personnages. Je me souviens que j’avais le cœur qui battait, j’étais très excitée et j’ai énormément écrit. En revanche, la première fois que je suis entrée dans ma chambre j’ai vu un tableau de chasse et je me suis mise à pleurer parce que cela m’a fait penser à Anthony.

Vous êtes vraiment très attachée à vos personnages !

J’ai pleuré parce que j’étais désolée d’avoir fait mourir Anthony, mais aussi parce que je n’ai pas trop aimé le tuer lors d’une chasse au renard. Anthony est un personnage doux et gentil, je ne pense pas qu’il aime la chasse. À l’époque, l’idée ne me plaisait pas non plus mais il fallait un impact visuel pour le manga. C’est devenu l’une des scènes les plus importantes de CANDY CANDY… mais cela m’a vraiment désolée !

En France, cette mort a tellement choqué les parents que lors de la rediffusion de la série animée, le scénario avait été modifié par la chaîne Antenne 2 : Anthony était simplement blessé et à l’hôpital.

(Elle rit) Oui, j’ai appris ça ! Mais du coup, Anthony disparaît : où est-il ? A-t-il perdu la mémoire ? Néanmoins, je peux comprendre cette réaction. Moi-même j’ai eu pas mal d’hésitation à inclure cette mort dans le scénario.

Regrettez-vous ce choix scénaristique ?

Non, j’aurais tout simplement refusé sinon. Mais en vrai, l’homme meurt toujours de façon soudaine. Je l’ai moi-même expérimenté. La vie est éphémère et même si ça peut choquer les gens, c’est comme ça. Je ne trouvais pas plus mal de transmettre ce message aux enfants. En voyant Candy surmonter un drame similaire, les enfants peuvent se dire qu’eux aussi en sont capables.

Selon vous, est-ce pour cela que la mort et les orphelins sont omniprésents dans les œuvres destinées aux enfants ?

Quand j’ai perdu mon père, je lisais ANNE LA MAISON AU PIGNON VERT, le roman de Lucy Maud Montgomery. Cette lecture m’a beaucoup apportée et m’a réconfortée. Quand on vit un tel drame, on devient plus sensible à la gentillesse et à la bienveillance de notre entourage. J’espère que des œuvres de ce genre continueront d’exister et d’inspirer les lecteurs.

Le théâtre est un acteur important dans CANDY CANDY. Les pièces de Shakespeare en particulier y sont souvent représentées comme ROMEO ET JULIETTE, HAMLET, LE ROI LEAR… Le théâtre a-t-il été une source d’inspiration pour votre scénario ?

Bien sûr, Shakespeare m’a énormément influencée. Mais il y a aussi Racine et Giraudoux envers qui je suis extrêmement reconnaissante !

Que pensez-vous des « héritières » de Candy ? GWENDOLYNE de Yōko Hanabusa ou LA ROSE DE VERSAILLES de Riyoko Ikeda ?

J’ai beaucoup apprécié ces mangas et j’espère qu’il y en aura d’autres dans la même veine, mais je regrette qu’il y en ait si peu dans la production actuelle.

Pour vos dédicaces, il paraît que vous avez réservé un cadeau très spécial pour vos fans ?

J’ai apporté le stylo avec lequel j’ai écrit la fin de CANDY CANDY ! Maintenant j’écris à l’ordinateur mais je fais partie des gens qui ont écrit le plus longtemps possible à la main. Ce stylo, je l’avais acheté à Paris. Je ne l’ai plus utilisé depuis ce dernier chapitre. Quand on m’a invitée en France, j’étais tellement heureuse que je l’ai ressorti, quarante ans après ! Comme il est longtemps resté dans son coin, il doit être content d’être utilisé à nouveau.

Remerciements à Clarisse Langlet de chez Pika.

  • Résumé de CANDY – Candice White l’orpheline : Candice White est une petite fille espiègle et adorée de tous à la Maison Pony, l’orphelinat qui l’a recueillie. Elle y coule des jours heureux jusqu’à l’adoption d’Annie, son amie de toujours. Désormais seule, Candice voit peu à peu défiler les années et désespère de trouver une famille. Alors lorsque les Lagan se proposent de l’embaucher, même comme simple demoiselle de compagnie, Candice n’hésite pas un seul instant ! Et quoiqu’elle doive composer avec Neal et Eliza, deux garnements bien décidés à faire d’elle leur souffre-douleur, elle n’échangerait sa place pour rien au monde. Après tout, c’est ainsi qu’elle a rencontré Stair, Archie et, bien sûr, leur cousin Anthony ! Mais une chasse au renard pourrait bien tout faire basculer…

Le tome 2, CANDY – Le prince sur la colline, sortira en libraire le 12 juin prochain.

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Anime

Interview Shin’ichiro Watanabe – Réalisateur en résonance

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© Terror in Resonance Committee Photo © Laurent Koffel

Le réalisateur de COWBOY BEBOP est bel et bien revenu aux affaires après le délicat KIDS ON THE SLOPE et la première saison, surprenante, de SPACE DANDY. Toujours sous l’égide du studio MAPPA, fondé récemment par le légendaire fondateur de Madhouse, Masao Maruyama, il propose l’anime TERROR IN RESONANCE, décrivant une fin du monde violente, profondément ancrée dans le Japon urbain contemporain. Mieux, les héros de la série relèvent d’archétypes qui peuplent les animes situés en milieu scolaire, mais distillant un pessimisme complètement à l’opposé des personnages de KIDS ON THE SLOPE. Pour COYOTE MAG, Shin’ichiro Watanabe revient sur la genèse d’une série originale et ouverte sur le monde. 

Comment le projet Terror in Resonance s’est-il développé ?

D’un point de vue extérieur, on pourrait sans doute croire que je n’ai rien fait de 2007 à 2012, l’année où j’ai réalisé Kids on the slope. Mais en fait, pendant tout ce temps, j’avais envie de m’atteler à la création d’une nouvelle œuvre. J’ai donc élaboré plusieurs projets, mais finalement, peu ont vu le jour. Terror in Resonanceest l’un des projets de cette période.

Vous avez donc tout fait pour que ce projet se réalise ?

C’est ça. C’est à cette période que Fuji Television m’a proposé Kids on the slope. À cette occasion, je leur ai également parlé du projet Terror in Resonance. Yamamoto Kôji, producteur chez noitaminA, m’a proposé que l’on se concerte non seulement sur Kids on the slope, mais aussi sur un futur projet original. C’est ainsi que Terror in Resonancea finalement vu le jour.

Cette série reste pour l’instant encore très mystérieuse, pouvez-vous nous en dire un peu plus ?

Hé bien… Ça se rapproche beaucoup des séries étrangères. En ce moment, il y a beaucoup de séries étrangères d’excellente qualité. Grâce à leur format, plus long que celui d’un film, elles peuvent se permettre de traiter des thèmes plus sérieux tout en incluant les nécessaires éléments de divertissement. J’avais envie, tout en faisant du divertissement populaire, d’attirer les gens qui apprécient les séries étrangères.

Quel genre de séries étrangères ?

Si je devais prendre un exemple, je comparerais Terror in Resonanceà 24 heures chrono. (Rires) Des actes de terrorisme sont perpétrés à Tôkyô, un inspecteur de police vétéran se retrouve chargé de l’enquête. (Rires) Quand j’en parle comme ça, ça ressemble un peu à une blague, mais je me suis efforcé de faire intervenir la résolution des énigmes du groupe terroriste Sphinx dans chaque épisode. Je pense que les gens qui apprécient Sherlock, par exemple, apprécieront aussi cette série.

L’annonce de la série fait état de « deux adolescents qui, sous le nom de Sphinx, entraînent le Japon tout entier dans leur jeu. » Au regard de votre filmographie, cette œuvre n’est-elle pas la plus provocante ?

En effet, c’est peut-être le cas.

Pourquoi ?

C’est un peu difficile à expliquer. Quand on crée une œuvre, particulièrement une œuvre originale, il ne s’agit pas d’assembler différents éléments en respectant un concept préétabli. Pour une œuvre originale, il faut tout inventer, jusqu’au cadre de l’action, et nos sentiments, notre état d’esprit du moment influencent forcément la création. C’est pourquoi, même si cette œuvre peut paraître provocante d’un point de vue extérieur, ce n’est pas quelque chose que j’ai créé après avoir eu une épiphanie idéologique, par exemple. Mais mes sentiments et mes impulsions du moment y sont bien présents.

Les réflexions que porte votre projet ont-elles changé depuis 2007 ?

Le fond n’a pas changé. Mais j’ai modifié certaines choses d’un ordre plus superficiel. Dans mon ébauche de 2007, j’ai l’impression que j’avais concentré toute mon attention sur les personnages. Aujourd’hui, ils sont toujours au cœur de l’œuvre, mais je pense avoir élargi les horizons pour y inclure davantage du monde qui nous entoure.

Pourquoi ces changements ?

Ils ne proviennent pas uniquement de moi, mais aussi des changements de la société japonaise elle-même. Quand il y a eu le grand tremblement de terre du Kantô, par exemple, beaucoup de gens se sont mis à parler à leurs voisins alors qu’ils ne leur avaient jamais adressé la parole avant, n’est-ce pas ? Moi aussi, il m’est arrivé d’avoir une conversation avec un employé de magasin avec qui je n’avais jamais discuté, d’échanger avec une dame inconnue, ou de me demander ce que pensaient des gens avec qui je n’aurais jamais parlé. Ce genre de rapport de solidarité entre les gens est l’un des éléments que j’ai ajoutés à mon projet de 2007 pour aboutir à celui de 2014.

Le character design est signé Nakazawa Kazuto et la musique Kanno Yôko. Ce sont deux personnes avec qui vous avez un lien très fort et qui participent également à ce projet.

Leur point commun, c’est que je n’ai jamais vraiment besoin de leur expliquer les choses. Quand je leur dis « je voudrais faire un truc de ce genre », ils comprennent immédiatement ce que je veux dire, mettent tout en œuvre et parviennent à le réaliser. Ça semble évident à dire, mais les gens qui comprennent à ce point votre sensibilité, ce n’est pas si courant. On rencontre plus souvent des gens qui ne comprennent jamais, même si on leur explique dix fois… D’ailleurs, Nakazawa et Kanno ont un autre point commun. Ils ont vraiment l’envie de transmettre à un public le plus large possible le résultat de leur travail et du mien. Je ne suis pas quelqu’un de très renommé, donc travailler avec deux personnes aussi populaires est très stimulant.

En effet, c’est le genre de situation qui donne lieu à une longue collaboration telle que la vôtre !

Tout à fait. Et je veux insister sur un point : notre compréhension mutuelle instantanée est très importante, mais ce n’est pas la raison principale qui nous fait travailler ensemble. La raison principale, c’est l’adéquation parfaite de Nakazawa et Kanno au contenu de l’œuvre que je veux réaliser. Et il ne s’agit pas que d’eux. Le plus important pour moi, dans un travail d’équipe, c’est de solliciter un collaborateur « parce qu’il n’y a que lui qui peut le faire. » Et cette fois-ci encore, Nakazawa et Kanno ont parfaitement réussi à produire le contenu que je désirais.

Quel genre d’œuvre va être Terror in Resonance ? Vous en avez encore peu parlé, mais, sans rien dévoiler d’essentiel pouvez-vous nous donner quelques indices ?

Que dire… Hé bien, dans un sens, on peut dire que c’est une œuvre qui décrit la nature de la jeunesse. Dans toute son imperfection, son inexpérience, son impétuosité, son incomplétude. Car c’est aussi là que réside son charme. Je m’efforce de décrire la difficulté, la fugacité, la beauté de cette période d’imperfection et d’inexpérience. Bien entendu, comme je le disais tout à l’heure, l’œuvre a aussi tout un côté divertissant qui s’apparente à celui des séries étrangères. Mais en même temps, j’ai construit cette série autour de cette idée de jeunesse et imprégné du sentiment particulier du réalisateur qui atteint la dizaine d’œuvres. Cet état d’esprit m’ouvre de nouveaux horizons. Je suis très excité de voir ce projet de longue date prendre enfin vie. Je serais très heureux que vous le regardiez.

Remerciements à Aurélie Lebrun. Interview publié dans Coyote Mag n°50 de l’été 2014.


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